Cet atelier avancé de jeu d'acteur explorera une variété de techniques de pré-expressivité (Grotowski, Zarrilli, Barba) pour développer la conscience, la présence et la résilience de l'acteur/trice sur scène. En mettant l'accent sur la respiration et la conscience intérieure et extérieure, l'acteur/trice est amené.e à travailler avec soi-même et avec soi en relation avec les autres à travers une préparation psychophysique et un théâtre physique. Les participants collaboreront sur le texte de La vida es Sueño de Pedro Calderón de la Barca, dramaturge espagnol du 17e siècle.  À la fin de ce court atelier intensif, chaque artiste développera une trousse d'outils de base pour l’aider à développer sa concentration sur scène, ainsi qu'à créer des liens plus profonds avec lui-même et avec les autres dans son jeu.

HORAIRE: DÉBUT INTENSIF: Samedi 6 et Dimanche 7 septembre (12h45-17h15); PUIS: mardi 9 et jeudi 11 septembre 9h45-12h15; mardi 16 et jeudi 18 septembre 9h45-12h15; mardi 23 et jeudi 25 septembre 9h45-12h15;

Peter est un acteur de théâtre et un créateur qui travaille à Montréal. Membre fondateur et codirecteur artistique de la Modern Times Stage Company de 1989 à 2022, Peter a joué dans de nombreuses productions, notamment dans les rôles-titres de Macbeth et Hamlet. Il a reçu plusieurs prix Toronto Dora pour son travail au sein de la compagnie. Parmi ces travaux, Peter a co-traduit et adapté les pièces de plusieurs artistes iraniens en collaboration avec Soheil Parsa, et il a également été corédacteur ou coconcepteur de plusieurs nouvelles productions théâtrales, dont Hallaj (2009) et Forgiveness (2014). Il s'est produit sur les scènes montréalaises en anglais et en français, notamment avec Au delà du visuel et La nuit / Le bruit. En 2017, Peter a été nommé pour un Meta Award pour sa performance dans Progress ! pour Infinitheatre. Peter a obtenu une maîtrise en anthropologie et en théâtre et a été artiste en résidence au département de théâtre de l'Université Concordia, où il a mis en scène Mizu no Eki d'Ota Shogo et une adaptation de Life is a Dream, de Pedro Calderón de la Barca. Il a également mis en scène Avant que la dernière feuille ne tombe avec le Collectif Feuille déchirée. Il collabore actuellement avec Projets Postmarginal, un projet pancanadien qu'il a initié aux Modern Times et qui encourage la pluralité des pratiques des arts de la scène parmi les artistes marginalisés et non marginalisés.

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Peter is a theatre actor and creator working in Montreal. As founding member and co-artistic director of the Modern Times Stage Company from 1989 to 2022, Peter appeared in many of the productions, including the title roles of Macbeth and Hamlet. He has earned several Toronto Dora awards for his work with the company. Among that work, Peter has co-translated and adapted the plays of several Iranian artists with Soheil Parsa, and he has served as co-writer or co-deviser on several new theatrical productions, including Hallaj (2009) and Forgiveness (2014). He has performed on stages in Montreal in English and in French, notably with Au delà du visuel and La nuit / Le bruit. In 2017 Peter was nominated for a Meta Award for his performance in Progress! for Infinitheatre. Peter has completed an MA in Anthropology and Theatre and was Artist-in-Residence at Concordia University’s Department of Theatre, where he directed Mizu no Eki by Ota Shogo and an adaptation of Life is a Dream, by Pedro Calderón de la Barca. He has also directed Avant que la dernière feuille ne tombe with Collectif Feuille déchirée. He currently collaborates with the project Postmarginal, a pan-Canadian project he initiated at Modern Times, which encourages a plurality of performing arts practices among marginalized and non-marginalized artists. 

Cet atelier s’adresse à toute personne (artiste de la scène ou non) qui souhaite explorer et parfaire son jeu corporel. Le cours propose d’explorer la présence en scène par l’apprentissage de la technique du mime d’Étienne Decroux (1898-1991). L’art du mime corporel est mis ici au service de l’interprète (acteur, performeur, etc) et des pratiques scéniques contemporaines (théâtre, danse, etc). Outre l’acquisition d’un langage corporel précis, les participant.es auront l’occasion d’explorer la création par la composition et l’improvisation.

Horaire: du 10 septembre au 22 octobre 2025, les mercredis de 9h30 à 11h30. (10, 17, 24 septembre; 1, 8,15,22 octobre)

Durée: 7 semaines.

Capacité du cours: maximum 20

Questions: envoyez un message à ateliers.coop.porterouge@gmail.com + inscrivez comme sujet :  MIME

Professeure à l’École supérieure de théâtre de l’Université du Québec à Montréal, Francine Alepin se consacre au théâtre corporel comme créatrice-interprète, conseillère dramaturgique et metteure en scène. Comédienne formée au mime corporel (Omnibus), son parcours artistique l’amène à fréquenter des esthétiques variées, d’œuvres du répertoire à des créations iconoclastes, en passant par des performances interartistiques. Ses mises en scène voyagent au Mexique et en Europe, où elle continue de donner des formations spécialisées. Elle détient une maîtrise en théâtre (UQAM) ainsi qu’une certification Laban en analyse de mouvement (Laban/Bartenieff Institute of Movement Studies). En plus de sa collaboration auprès de Nicole Harbonnier et Geneviève Dussault , elle participe à des projets soutenus par le Fonds de Recherche société et culture du Québec: Poésie en scène avec les co-chercheur.e.s Manon Levac et Marc-André Brouillette ainsi que Caravane : Quête poétique et anthropologique des gestes des Amériques dont elle assume la direction. 

Formée dans plusieurs écoles spécialisées – Omnibus, Théâtre du Mouvement à Paris, Théâtre laboratoire de Grotowski, Odin Teatret au Danemark - Laurence Castonguay Emery s’intéresse aux nouvelles formes d’écritures dramaturgiques du corps en scène. Chez Omnibus, elle est interprète-créatrice sur Spécialités féminines et Plywood un show sur le rough. Elle signe la mise en scène ou la direction du mouvement de plusieurs œuvres avec sa propre compagnie, Territoire 80, ainsi qu’en accompagnant des artistes issus de disciplines diverses - musique, conte, marionnette -. Elle enseigne également l’écriture scénique et le théâtre corporel à l’École supérieure de théâtre de l’UQAM.

This workshop is a place for actors to explore who they are in the work and what they need to become a stronger performer. With only 8 actors per group, everyone gets at least 1 hour of coaching per session.

“Feed your actor!” In this Weekly scene work you’ll be able to hone your craft. The work will include a bit of table work and discussion; then guidance into breaking down the scene; how to approach the scene; specific methods to parse through action/objective/wants/obstacles.

“We cannot and do not work alone!” This workshop is a way to stay connected with your craft but also to stay connected with others; to gather with other actors, to discuss the material and delve deeply into the scenes proposed by the instructor.  It will also be an opportunity to develop a structure of work or form a work discipline for yourself.

SCHEDULE:

Session #1: Sundays, 13h-17h. (September 14, 21, 28, October 12, 19)

Session #2: Sundays, 13h-17h. (October 26, November 2, 9, 16, 23)

Public presentation for both groups: November 30

Leni Parker currently teaches acting at the National Theatre School of Canada and also teaches acting at Concordia University.

Leni Parker is a Montreal based actor with a career spanning 38 years.
She was part of Pigeons International Theatre from 1987-1997 where she toured extensively in Europe and Canada.  Some of her notable recent roles in Montreal’s theatre include Thy Woman’s Weeds at Centaur theatre; the production of Rome (USINE-C, National Art Center); her role as a Patti Smith in Parce que La Nuit (Espace GO/ National Art Center).  In film and television Leni Parker was seen in Transformers 7; in Street Legal on CBC; she played Mother Sabrine in Barkskins (Nat Geo); in My Salinger Year; and was for four years the character Da’an in Earth; Final Conflict (SciFi network).

Over the years, Leni Parker has been awarded and nominated for her acting work by The Montreal Critic’s Awards, The METAs, Les Masques, and The French Critic’s Awards.

Cet atelier est une Introduction aux exercices de base liés à la disponibilité émotionnelle et physique de l’acteur/performeur sur scène.  Cet entraînement pour actrices et acteurs s’inspire de l’approche de Sandford Meisner mais il est optimisé avec un échauffement physique reposant sur les pratiques du Butô, sur des approches de jeu clownesque (Richard Pochinko) et des techniques de l'art de la performance.

Cet atelier est OUVERT à tout les artistes en arts vivants (théâtre, danse, performance, clown, etc.).

HORAIRE: Classe d’essai GRATUITE :  dimanche 21 septembre 18h à 21h.

Atelier: Mardi et jeudi – (13h30-16h30) Septembre (le 30), Octobre (les 2, 7, 9, 14) + INTENSIF Samedi et dimanche 25 et 26 octobre: 10h-15hrs

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Cet ATELIER # 1: se concentre sur le développement des aptitudes suivantes: la disponibilité émotionnelle et physique • l’Écoute et amplitude de jeu • l’Affinement de la force de visualisation • la Présence physique et vocale • le Plaisir de jouer.

Les ateliers seront en général structurés ainsi : 30 minutes d'échauffement physique • 20 minutes d'un exercice préparatoire • 90 minutes de Répétition ou de Knock on the door (Meisner Technique) • 30 minutes d'atterrissage et intégration de la pratique par un exercice physique collectif ou en duo.

Catherine Cédilot est une créatrice, une chercheuse, une enseignante et une spectatrice omnivore des arts vivants. Elle a étudié la Technique Meisner au Neighborhood Playhouse à New York en 2004-2005 pour ensuite s’intéresser au mime, au clown, au butô et à l’art performance. Depuis près de vingt ans, elle cumule expériences, formations et collaborations dans les différentes disciplines qui nourrissent le cirque, la danse, le théâtre et l’art performance. Travaillant souvent dans l'ombre (conseil, mise-en-scène, transmission, recherche), parfois sous les projecteurs (interprétation, performance), l'un des fils conducteurs de ses créations est cette idée d'(inter)influence, de manipulation, de corps bougé par, de transformation subtile ou grossière provoquée par la rencontre de l’autre.

La méthode Meisner, développée par Sanford Meisner, est une approche de jeu d'acteur centrée sur l'écoute active, l'authenticité et la réponse instinctive. Elle repose sur le principe du "living truthfully under imaginary circumstances" (vivre avec vérité dans des circonstances imaginaires). Ses fondements clés sont:

1. La répétition : Un exercice où deux acteurs échangent des phrases simples, en se concentrant sur les réactions spontanées plutôt que sur un texte prédéfini.

2. L'attention à l'autre : Le jeu naît de l'écoute et de la réaction honnête à son partenaire, plutôt que de l'intellect.

3. L'impulsivité : Libérer les instincts pour des réactions organiques, sans surjeu.

4. L'engagement émotionnel : Utiliser ses émotions réelles, sans forcer ou "jouer" un sentiment.

La méthode Meisner cultive la présence scénique par la simplicité, la vérité du moment et la connexion humaine. Elle est largement utilisée au cinéma et au théâtre pour un jeu naturel et captivant. Le cours offert à la porte rouge est progressif et divisé en 3 phases. Chaque phase de 12 hrs permet d’accéder au niveau suivant.

HORAIRE:

Phase 1. (Du « Je-Je » à la répétition « Je-Tu » avec changement et mouvement.) : (12hrs/ 4 semaines) Lundi /10h-13h /

Les 15-22-29 septembre; 6 octobre.

Phase 2. « Taper à la porte », « Préparation » et « Activités » : (12hrs/ 4 semaines) Lundi 10h-13h /

Les 13, 20, 27 octobre; 3 novembre.

Phase 3. De la « Répétition » au travail de scènes: (12hrs/ 4 semaines) Lundi 10h-13h /

Les 10, 17, 24 novembre; 1er, 8 décembre (à confirmer).

Julia Lozano a été formée à la technique Meisner pendant plus de 5 ans par Scott Williams de « l’Impulse Company » (New-York, Londres, Paris); puis par Robert Cordier. Julia Lozano est une artiste pluridisciplinaire en chant, danse et théâtre qui a débuté sa carrière en France dans le théâtre musical, l’opérette et le théâtre classique avant de s’intéresser au jeu pour la caméra. Julia a travaillé notamment plusieurs années avec Jacques Duparc sur les scènes de l’Opéra de Reims et de l’Opéra d’Avignon. Elle a aussi joué au Théâtre Fontaine à Paris dans la Compagnie Colette Roumanoff, a interprété le Prince dans la comédie musicale « Le Prince et Le Pauvre »  de Julien Salvia et Ludovic Alexandre Vidal.

En 2016, à Montréal, elle interprète Hâgar dans « Hâgar et la source »  de Mounia Chadi, puis rejoint le collectif Passeurs de Voix en tant qu’artiste et coach d’acteurs, pour leur création immersive et déambulatoire d’après Migraaants de Visniec.  Depuis sa rencontre avec des membres de La Porte Rouge, Julia Lozano anime des ateliers en technique Meisner dans les studios de la coopérative.

“Drop in” technique Meisner est un atelier mensuel pour ceux ayant déjà une bonne pratique de l’exercice «Répétition».

Chaque séance, qui débutera par un échauffement avec l’exercice de répétition, sera l’occasion de nous assurer que « l’instrument » est bien accordé (spécifique, authentique et dans le moment présent à chaque instant) et qu’il y a un bon équilibre entre « les muscles » d’écoute et ceux de la réponse. Puis nous approfondirons un des exercices plus avancés (les différents types de préparation émotionnelles et physiques, les activités indépendantes, travail des scènes…).

L’atelier sera donné en français mais en traduisant au besoin toutes les instruction en anglais.

Les participants pourront choisir de travailler dans la langue de leur choix (en fonction des partenaires présents bien entendu).

The Meisner technique “Drop in” is a monthly workshop for those who already have a good grasp of the “Repetition” exercise. Each session will begin with a warm-up using the repetition exercise, providing an opportunity to ensure that the “instrument” is well tuned (specific, authentic, and present in the moment at all times) and that there is a good balance between the “muscles” of listening and those of response. We will then explore one of the more advanced exercises (different types of emotional and physical preparation, independent activities, scene work, etc.). The workshop will be conducted in French, but all instructions will be translated into English as needed.

Participants may choose to work in the language of their choice (depending on the partners present, of course).

HORAIRE/ SCHEDULE:

Dimanche 5 octobre 18h-21h

Dimanche 2 novembre 18h-21h

Dimanche 7 décembre 18h-21h

Dimanche 11 janvier 18h-21h

COÛT / À LA SESSION : ENTRE $30 ET $40 (ajusté selon le nombre de participants)

COÛT / POUR QUATRE (4) SESSIONS : ENTRE $110 ET $150 (ajusté selon le nombre de participants)

Julia Lozano a été formée à la technique Meisner pendant plus de 5 ans par Scott Williams de « l’Impulse Company » (New-York, Londres, Paris); puis par Robert Cordier. Julia Lozano est une artiste pluridisciplinaire en chant, danse et théâtre qui a débuté sa carrière en France dans le théâtre musical, l’opérette et le théâtre classique avant de s’intéresser au jeu pour la caméra. Julia a travaillé notamment plusieurs années avec Jacques Duparc sur les scènes de l’Opéra de Reims et de l’Opéra d’Avignon. Elle a aussi joué au Théâtre Fontaine à Paris dans la Compagnie Colette Roumanoff, a interprété le Prince dans la comédie musicale « Le Prince et Le Pauvre »  de Julien Salvia et Ludovic Alexandre Vidal.

En 2016, à Montréal, elle interprète Hâgar dans « Hâgar et la source »  de Mounia Chadi, puis rejoint le collectif Passeurs de Voix en tant qu’artiste et coach d’acteurs, pour leur création immersive et déambulatoire d’après Migraaants de Visniec.  Depuis sa rencontre avec des membres de La Porte Rouge, Julia Lozano anime des ateliers en technique Meisner dans les studios de la coopérative.

Dans le chant le corps se comporte un peu comme lorsqu’il traverse des états extrêmes (tels que le rire ou les pleurs).  C’est à dire que d’un point de vue physiologique le larynx descend de manière significative au niveau de la gorge, permettant au chanteur de se mettre en résonance avec des états profonds. On pourrait donc dire que le chant permet aux états profonds d’habiter l’acteur, sa voix et, de ce fait, d’enrichir son expressivité vocale. 

Cet atelier « chorale » permettra aux participants de:

- développer un registre vocal plus large grâce à une respiration plus profonde ;

- développer une articulation et une projection plus claire.

- s’exprimer vocalement d’une manière plus large sur le plan de l’expressivité (registre).

 Dans l'expérience du chant en commun (chorale) s'ajoute une dimension que l'on retrouve dans toutes les expériences de groupe : des exercices simples de sonorité permettent de sentir de façon physique et immédiate que le groupe devient une entité parfois plus grande que la simple somme des individus. On peut dire que chanter en groupe permet, dans certaines conditions, de sentir, de faire entendre, d’émettre un son dont la qualité multiple et unifiée crée une sensation de "plus grand que soi » qui est enivrante. C'est probablement la raison qui pousse tant les êtres à chanter ensemble, que ce soit pour des raisons spirituelles ou ludiques !

 Le chant en groupe permet aussi de capter de façon immédiate l'interdépendance des membres du groupe, et de la possibilité de se fixer des objectifs communs : respirer ensemble, être juste, trouver une précision "rythmique" commune, etc. Chacun a un impact sur l'ensemble. De même chacun émet et perçoit en même temps.  En ce sens il développe une sensibilité nécessaire au jeu théâtral. 

HORAIRE: MERCREDI, de 15h à 17h. Du 17 septembre au 17 décembre 2025.

*** les trois (3) premières sessions sont gratuites grâce à une bourse et une donation.

Atelier de jeu pour acteurs et metteurs en scène, danseurs, performeurs, musiciens. Comment l’imaginaire de l’acteur peut prendre forme dans son jeu (corps, mouvement, jeu avec l’espace, le partenaire, les éléments de décor). Le travail en studio s’inspirera d’exercices de la ‘Biomécanique Théâtrale’ de Meyerhold telle qu’enseignée par Gennadi Bogdanov.

Chaque session se fera en trois temps.  1) Établissement d’une ‘connexion’ entre l’imaginaire de l’acteur et son corps grâce à divers exercices d’échauffement;   2) jeux (solo et/ou duos) avec l’espace, les objets, le(s) partenaire(s) 3) travail sur des extraits de scènes en solo ou en duo

Le premier niveau de cet atelier permet aux participants de découvrir les principes de base de la Biomécanique Théâtrale; il approfondit la conscience du mouvement dans l’espace; le contrôle, la précision et le sens du geste. 

HORAIRE: (à venir)

Cet atelier est nécessaire afin d’accéder aux niveaux 2 et 3.   Atelier 2- développement des habilités scéniques de l’acteur et de son registre d’expressivité;

Atelier 3- habilités rythmique et acrobatiques qui portent l’expressivité de l’acteur/performeur à un autre niveau.

Cet atelier se fera en 4 parties :  La première sera consacrée à l’introduction de la méthode de travail; la deuxième à du travail individuel  (ou en groupe) sur un classique choisi (travail hors atelier, à la porte rouge, à tarif réduit). Pour la troisième étape les participants assisteront au spectacle de Pier « Il y a quelque chose de pourri », présenté à la porte rouge, une adaptation d’Hamlet de Shakespeare.  Puis la quatrième étape sera consacrée à la mise en forme des différentes spectacles/propositions des participants à l’atelier. 

Définition d’un classique selon Pier Porcheron: « une œuvre théâtrale pour laquelle tu serais prêt à mourir. »

HORAIRE:

Mardi.20 janvier : de 14h à 17h (3 hrs) / Mercredi.21 janvier : de 14h à 17h. (3 hrs). /

Jeudi. 22 janvier : de 19h à 21 h : assister au spectacle « Il y a quelque chose de pourri » à la porte rouge) (2 hrs)

Vendredi 23 janvier : de 14h à 17h. (3 hrs). / Samedi 24 janvier : de 14h à 17h. (3 hrs)

 + possibilité de répétition hors atelier à la porte rouge à tarifs réduits ($10/h)